Las 10 obras más caras del mercado

Número 5

Pollock, Jackson

Fecha: 1948

Técnica y dimensiones: Oleo sobre lienzo 103 x 266 cm.

Fecha compra: Noviembre 2006Vendido por: 140.000.000 dólares (109.100.000 euros)Adquirido por el millonario mexicano David Martínez

Woman III
De Kooning, Willem

Fecha: 1952-53Técnica y dimensiones: Oleo sobre lienzo 171 x 121 cm.

Fecha compra: Noviembre 2006Vendido por: 137.500.000 dólares (107,2 millones de euros)Adquirido por el millonario Steve Cohen

Retrato de Adele Bloch-Bauer

Klimt, Gustav

Fecha: 1907Técnica y dimensiones: Oleo sobre lienzo 153 x 133 cm.

Fecha compra: Junio 2006Vendido por: 135.000.000 dólares (107.000.000 euros)

Adquirido por el magnate de los cosméticos Ronald S. Lauder

Niño con pipa (Garçon à la Pipe)

Picasso, Pablo

Fecha: 1905 Técnica y dimensiones: Óleo sobre lienzo. 99,7x81,3 cm.

Fecha de subasta: Mayo 2004Vendido por: 104.000.000 dólares

Lugar de subasta: Sotheby´s Nueva York

Dora Maar au chat (Dora Maar con gato)

Picasso, Pablo

Fecha: 1941Técnica y dimensiones: Óleo sobre lienzo. 129.5x97 cm.

Fecha de subasta: Mayo 2006Vendido por: 95.200.000 dólares (75 millones de euros)

Lugar de subasta: Sotheby´s Nueva York

Retrato de Adele Bloch-Bauer II

Klimt, Gustav

Fecha: 1912Técnica y dimensiones: Óleo sobre lienzo. 190 × 120 cm

Fecha de subasta: Noviembre 2006Vendido por: 87.936.000 0 dólares

Lugar de subasta: Christie´s Nueva York

Retrato del Dr. Gachet (Portrait du Docteur Gachet)

Van Gogh, Vincent

Fecha: 1890Técnica y dimensiones: Óleo sobre lienzo. 66x57 cm.

Fecha de subasta: Mayo 1990Vendido por: 82.500.000 dólares

Lugar de subasta: Christie´s Nueva York

En el Molino de la Galette (Au Moulin de la Galette)

Renoir, Auguste

Fecha: 1876Técnica y dimensiones: Óleo sobre lienzo. 131x175 cm.

Fecha de subasta: Mayo 1990 Vendido por: 78.100.000 dólares

Lugar de subasta: Sotheby´s Nueva York

La masacre de los inocentes (The massacre of the innocents)

Rubens, Pedro Pablo

Fecha: 1611-1612Técnica y dimensiones: Óleo sobre lienzo. 131x175 cm.

Fecha de subasta: Julio 2002Vendido por: 49.500.000 libras (76.700.000 dólares)

Lugar de subasta: Sotheby´s Londres

Retrato del artista sin barba (Portrait del artiste sans barba)

Van Gogh, Vincent

Fecha de creación: 1889Técnica y dimensiones: Óleo sobre lienzo. 41x32,5 cm.

Fecha de subasta: Noviembre 1998Vendido por: 71.500.000 dólares

Lugar de subasta: Christie´s Nueva York

PARA MUESTRA ESTOS BOTONES

Nelson

Erotismo, papel y Langlois

Juan Pablo Langlois Vicuña

A raíz de un articulo publicado hace algunos días en una revista semanal de corte liviano, me encontré con una entrevista a Juan Pablo Langlois Vicuña, artista visual, escultor y primer instalador, -según algunos entendidos-, y que en el año 1968 amarro una manga de polietileno de más de 200 metros, rellena de papel y que enroscó como culebra en una palmera y la introdujo en una ventana del Museo de Bellas Artes.
Pero mi comentario esta dirigido a una exposición que realizara en el año 2006, en al Universidad Arcis, “Papeles Ordinarios”.
En esta muestra el artista representó escenas eróticas, hechas con papel de diarios y cola fría, figuras humanas a escala natural.

La muestra fue impactante, aunque para algunos fue un poco fuerte pues representaba escenas de homosexualidad, lesbianismo, masturbación y zoofilia.
La crudeza en que se representaba las diferentes formas de amor, era de personajes de la vida cotidiana, del ser común y corriente, del gordo, del viejo, del feo, etc.

Langlois, no es un viejo cartucho, representa la vida, el amor y el sexo en forma natural.
Los artistas, generalmente nos autocensuramos, y nos cuesta representar la vida tal como es.
El sexo y el amor es parte de la vida, hay que aprender de su honestidad.
Juan Pablo Langlois Vicuña, nació en Santiago el 26 de febrero de 1936.
Entre los años 1952 y 1962 Estudió arquitectura en la Pontificia Universidad Católica de Chile y en la Universidad Católica de Valparaíso.
Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su formación de arquitecto y consistieron en indagaciones en torno al arte óptico, atrapado en la bi - dimensionalidad de la tela.
Más tarde evolucionó hacia un arte completamente diferente, donde las obras transitaron de lo abstracto a lo figurativo y de la escultura a la gráfica.
Langlois a través de todo su trabajo plástico ha mantenido una constante en la cual el valor de su obra ha residido en la idea y su acción creadora, en la que relaciona temas, materiales y procesos de la cultura popular y que se expresa a través de un arte efímero, donde ni el oficio o técnica, ni el soporte son importantes.

Nelson

Acuarela, una técnica impredecible?

De todos los medios que hay en la pintura, la acuarela es quizás la técnica más difícil.
Debido a su naturaleza impredecible ofrece una satisfacción especial al artista.
Hay un intenso placer en el resultado de este trabajo con este medio sin tener determinado el resultado.
La pintura con acuarela data de más de 40.000 años.
Los primeros ejemplos conocidos son las pinturas rupestres en cuevas, en las que usaban gruesas aplicaciones de pintura aguada muy opaca.
Los artistas chinos más antiguos usaban pinceles de pelo suave para pintar sobre la seda y el papel de arroz. Con tan solo unas pinceladas muy ligeras eran capaces de capturar el clima y la atmósfera del espacio de los paisajes, anticipándose en varios siglos al trabajo de grandes artistas occidentales de la acuarela.
Este es el poder de la acuarela, su capacidad para permitir que la textura y el tono del papel se mezclen, creando así la ilusión de la luz y profundidad.
Ciertamente la acuarela tiene su personalidad propia y todo esto es parte de una técnica muy especial.
Revisando algunos textos encontré algo que les puede interesar, una acuarela de un artista alemán, Oswald Achenbach, de Dusseldorf, y que vivió entre los años 1827 - 1905.
Su destreza con la acuarela no eran tan impredecibles, él sabia lo que quería.
Nelson Olate F.

Acuarela de Oswald Achenbach 1827- 1905, "Entierro en Palestina"

Pablo Neruda, el Winnipeg y Roser Bru.

El 3 de septiembre de 1939, llego al puerto de Valparaíso, el buque carguero Winnipeg, con más de 2.500 refugiados españoles desde Francia, huyendo de la dictadura de Franco, por iniciativa de Pablo Neruda, con el apoyo del gobierno chileno de Pedro Aguirre Cerda.

De regreso en Chile, en 1937, tras haber sido Cónsul en Barcelona y Madrid desde 1934, Pablo Neruda conoce la trágica situación de los refugiados españoles en los campos de concentración franceses.
En 1939 Neruda es enviado a Francia a fin de organizar la emigración a Chile de los refugiados otorgándosele el título diplomático de Cónsul Especial para la Inmigración Española con sede en París. Con una pierna enyesada parte el Cónsul a su oficina en la capital francesa, hasta donde llegan miles de solicitudes de españoles para viajar a Chile, las que junto a su mujer, Delia del Carril, revisan personalmente.
Para el viaje, se contrata un antiguo carguero francés, que habitualmente hacía el recorrido entre Marsella y las costas africanas con no más de 20 pasajeros. En esta modesta nave, llamada Winnipeg, en cuyas bodegas se acomodan apretadamente las literas, se subirían dos mil quinientas personas para llegar hasta Chile. Mientras en el puerto francés de Trompeloup - Pauillac, cerca de Burdeos, se aceleran los preparativos para el zarpaje, en París, el famoso Pablo Picasso elogia la iniciativa de Neruda. Un mes más tarde, tras una acontecida navegación, el viejo barco, el más grande poema de Neruda, entraba en la bahía de Valparaíso cargado de sueños y esperanzas.
El historiador Leopoldo Castedo y los artistas José Balmes y Roser Bru, llegarían en el Winnipeg.
Roser Bru
Pintora y grabadora de destacada trayectoria nacional e internacional, nació en Barcelona en 1923. Estudió en la escuela de Bellas de Artes de la Universidad de Chile. A lo largo de su carrera ha realizado exposiciones en distintos lugares de América y Europa, siendo reconocida a través de múltiples premios y galardones.
En la última exposición de Roser Bru, en el Mac, me llama la atención lo consecuente que ha sido la Crónica de su vida con los acontecimientos dolorosos que nos vinculan con el pueblo español.
Sin duda, que el valor de la obra de Roser Bru, me despierta de la anestesia de los nuevos tiempos.
La relación de la dictadura de Franco en España y la cruel dictadura de Pinochet, el sufrimiento del exilio, los torturados, los desaparecidos, me dicen que debemos despertar.
Roser Bru, es un ejemplo para los artistas.
Los artistas plásticos podemos reportear, investigar y denunciar.

Nelson

Juan Francisco González

"Calle de Limache"

Perteneció a la Generación de los Grandes Maestros de la Pintura Chilena formada por Pedro Lira, Alfredo Valenzuela Puelma y Alberto Valenzuela Llanos.
Nació en Santiago, el 25 de septiembre de 1853 y murió el 4 de marzo de 1933.
Integró una familia de clase media avecindada en el barrio Recoleta, a los pies del Cerro Blanco, donde destacó su hermano Simón González, escultor que logró primera medalla en la Exposición Internacional de París en el año 1900 y que estuvo fraternalmente unido a Juan Francisco.
Realizó sus estudios secundarios en el Instituto Nacional, donde fue compañero de los destacados pintores nacionales Valenzuela Puelma y Onofre Jarpa.
Simultáneamente, sus padres lo enviaron a estudiar con Manuel Tapia y con Pedro Lira, quien captó su talento y le aconsejó ingresar a la Academia de Bellas Artes donde fue alumno de Ernesto Kirchbach en 1869 y de Juan Mochi en 1876.
En 1879 hizo su primer viaje a Perú y Bolivia. Residió en Valparaíso desde 1884. Eduardo de la Barra, entonces rector del Liceo de Hombres de Valparaíso, lo nombró profesor de dibujo, cargo que desempeñó durante 11 años. En 1887 hizo una corta visita de estudio a Francia e Italia y en 1897 volvió nuevamente a Europa, donde expuso en el Salón de París y recorrió las rutas del arte (París, Sevilla, Madrid, Florencia, Venecia, Marruecos).
En 1898 obtuvo el premio de honor del Salón Oficial. En 1907 realizó su tercer viaje a Europa y en 1908 Álvarez de Sotomayor lo nombró profesor de croquis y dibujo del natural de la Escuela de Bellas Artes.

"Calle de San Fernando"

Juan Francisco González junto a poetas, escritores, arquitectos y músicos, formó el grupo de Los Diez, encargados de forjar un arte nuevo y chileno.
Con respecto al panorama estético de Chile, el modo de pintar de este artista fue revolucionario, pues supo liberarse de los cánones rigurosos del academicismo y se alejó del proceso plástico tradicional, que registraba las cosas en sus relaciones de forma y color, acomodándose sólo a la objetividad estricta que reclama la visión común.
Tomando la experiencia visual de lo real como materia prima, incorporó lo humano, el movimiento y el cambio.
Fue capaz de unir instinto y razón mediante relaciones cromáticas, tomando como punto de partida conceptos y labor profesional que unidos a su espíritu creativo lograban una obra sensitiva y espontánea.
Alcanzó una aproximación al impresionismo, especialmente por su tendencia a pintar con máxima libertad y soltura, por la mancha espontánea y por la necesidad de aprehender las impresiones cambiantes del paisaje por medio de la repetición, la pincelada fugada, la disolución de la forma, del cromatismo puro y de las entonaciones cálidas ("Puente sobre el Tíber").
Tres son los temas que cultivó preferentemente el artista, flores ("Rosas Blancas"), retratos ("Retrato de niña") y paisajes ("Puente sobre el Tíber"), que se sitúan en los distintos lugares donde vivió: Valparaíso ("Marina"), Limache ("Calle de Limache"), Santiago ("Panorama de Santiago desde el Santa Lucía") y Melipilla ("Paisaje de invierno"), sin dejar de lado los sitios visitados durante sus viajes ("A orillas del Guadalquivir, San Marcos de Venecia").
Juan Francisco González fue un trabajador fabuloso, su gran talento, su espíritu vehemente y crítico dio origen a una fecunda producción artística e intelectual que se estima en Más de 4.000 cuadros.
Dirigió sus enseñanzas a un aprendizaje técnico muy libre, irradió una vivaz e inquieta personalidad y comunicó su actitud frente al arte como una postura ante la existencia, llegando a ser considerado por sus predecesores como un ejemplo a seguir.
Su influencia se hizo presente en Alfredo Helsby, Pablo Burchard, algunos pintores de la Generación del ´13, del Grupo Montparnasse, la Generación del ‘28, a través de artistas como María Tupper, Augusto Eguiluz, Ana Cortés, Marta Villanueva, Enrieta Petit, Laureana Guevara, Waldo Vila, Camilo Mori, Héctor Cáceres, entre otros.

Ojalá el color invada tu vida

Newton ya decía: "El color reside en nosotros".
La capacidad de respuesta en nuestro organismo ante la energía de la Luz es debida al potencial de Vida que hay en todos nosotros.
El espectro electromagnético de la luz visible ocupa una mínima franja, el Color, pero se sitúa en aquella en que se sitúa la Vida, por ello podemos utilizarla científicamente en beneficio de la salud y la armonía.
Hay 12 vibraciones en nuestro organismo y a cada una de ellas le corresponde una vibración cromática que aplicadas sobre los meridianos y puntos de la Medicina Tradicional China, hace que esta información que le llega a través del Color (Luz) modifique la alteración que hay en aquella vibración (enfermedad o desarmonía) haciendo que nuestro organismo tenga la capacidad de recuperar la frecuencia o vibración de su actividad propia.
Los colores calientes y cálidos (rojos y naranjas) facilitan las posibilidades de regeneración y recuperación.
Los colores frescos o templados (amarillos y verdes) mantienen la fluidez y la higiene.
Los colores fríos (azules y violetas) facilitan los intercambios y la circulación que permiten dosificar las fuerzas y la actividad.
Cada color corresponde a una función, por tanto, puede armonizar por sí solo, pero es una herramienta muy poderosa, al ser información, en cualquier tipo de terapia, tanto física como psíquica.
No es la intención de "combatir" enfermedades si no devolver o mejorar el estado de "salud" del SER.
Afectuosamente a mis alumnos
Nelson Olate Figueroa